Jim Lee é uma excelente
referência para pensar sobre isso. Nascido em 11 de agosto de 1964, ele
construiu uma carreira que passou pela Marvel, pela criação da Image Comics e
da WildStorm e, posteriormente, por funções criativas e editoriais na DC. Seu
trabalho em personagens e títulos como X-Men, Batman: Hush, Superman:
For Tomorrow e Justice League tornou seu traço reconhecível para
diferentes gerações de leitores.
Mas o que sempre me interessa
mais em um artista não é simplesmente a fama que ele alcançou. É tentar
entender o que existe por trás da imagem que estamos vendo. Quando
observamos uma página de Jim Lee, encontramos anatomia, perspectiva,
composição, enquadramento, luz, sombra, expressão, movimento e uma série de
decisões que não aparecem separadamente para o leitor. Tudo chega ao público
como uma imagem única.
É aí que começa uma reflexão
importante para quem está aprendendo a desenhar.
Muitos alunos chegam a uma escola
de arte acreditando que precisam aprender a desenhar “bonito”. Essa palavra
aparece bastante nas conversas, principalmente quando alguém mostra uma
referência de um artista que admira. “Quero desenhar assim.” “Quero chegar
nesse nível.” “Quero ter esse traço.” Eu entendo perfeitamente esse desejo,
porque também passei por ele. O problema é que “desenhar bonito” é um objetivo
muito pouco preciso.
Quando pergunto o que exatamente
a pessoa admira naquele desenho, frequentemente começamos a descobrir coisas
muito mais interessantes. Talvez seja a anatomia. Talvez seja a sensação de
movimento. Talvez seja a maneira como o personagem ocupa a página. Talvez seja
o uso da perspectiva ou a maneira como a luz define o volume. Quando
conseguimos nomear aquilo que estamos admirando, começamos efetivamente a
estudar.
Essa é uma das grandes mudanças
que acontecem durante uma formação artística: o olhar deixa de ser apenas
admirador e passa a ser analítico.
Observar Jim Lee dessa maneira é
particularmente interessante porque seu desenho possui uma forte relação com a
narrativa. Não estamos diante de uma ilustração isolada que precisa apenas
parecer convincente. Em uma página de quadrinhos, cada personagem precisa
ocupar determinado espaço, cada gesto precisa comunicar uma ação e cada
enquadramento precisa colaborar para que o leitor compreenda o que está
acontecendo.
Pense, por exemplo, em uma cena
de luta. Um personagem pode estar desenhado com uma anatomia impecável, mas, se
a pose não transmitir movimento, a imagem perde força. Da mesma maneira, uma
perspectiva perfeitamente construída pode não funcionar narrativamente se não
ajudar o leitor a compreender onde os personagens estão ou qual é a relação
espacial entre eles.
Isso significa que a técnica
existe para resolver problemas de comunicação.
Essa talvez seja uma das coisas
que mais gosto de explicar aos meus alunos. Quando estudamos anatomia, não
estamos estudando músculos simplesmente porque “é importante saber anatomia”.
Estamos aprendendo anatomia porque queremos construir personagens que possam
assumir diferentes posições, expressões e movimentos sem perder sua coerência.
Quando estudamos perspectiva, não estamos apenas aprendendo a desenhar caixas e
linhas de fuga; estamos aprendendo a organizar o espaço dentro do qual a
narrativa acontecerá.
Quando estudamos luz e sombra,
acontece algo semelhante. Não se trata apenas de deixar o desenho mais bonito.
A luz pode indicar volume, profundidade, horário, atmosfera e até mesmo
importância narrativa. Uma área iluminada pode chamar nossa atenção para
determinado personagem, enquanto uma região escura pode ocultar informação e
criar tensão.
Por isso, quando vejo um
estudante tentando copiar o desenho de um artista que admira, minha primeira
preocupação não é dizer se a cópia ficou boa ou ruim. Eu prefiro perguntar: o
que você descobriu fazendo esse desenho?
Essa pergunta muda tudo.
Se a resposta for “descobri como
ele desenha os olhos”, já temos alguma coisa. Se for “percebi como ele constrói
o torso”, avançamos mais um pouco. Se o aluno disser “entendi como ele usa a
perspectiva para fazer o personagem parecer maior e mais próximo do leitor”,
então a cópia começou a cumprir uma função pedagógica verdadeira.
O objetivo da referência não é
permanecer na referência. É passar por ela.
Essa ideia é muito importante
porque existe uma armadilha no aprendizado artístico que vejo com frequência: o
estudante encontra um artista de que gosta, começa a reproduzir aquele estilo
e, depois de algum tempo, acredita que precisa desenhar exatamente daquela
maneira para ser bom. Sem perceber, ele troca o desejo de aprender por uma
tentativa de imitação.
Não há problema algum em ter
referências. Pelo contrário. Um artista sem repertório visual dificilmente terá
matéria-prima suficiente para construir uma linguagem própria. O problema
aparece quando a referência deixa de ser fonte de estudo e passa a funcionar
como destino.
A trajetória de Jim Lee também
permite observar outra coisa que considero extremamente importante: o
artista não precisa estar limitado a uma única função.
A própria carreira de Lee
ultrapassou a prancheta. Ele participou da fundação da Image Comics, criou a
WildStorm, trabalhou como artista, roteirista e editor e posteriormente assumiu
posições de liderança criativa na DC. Atualmente, a própria DC o apresenta como
Chief Creative Officer e Publisher.
Isso deveria provocar uma
reflexão interessante em qualquer estudante que esteja pensando em trabalhar
profissionalmente com arte.
Às vezes imaginamos a profissão
de desenhista como uma linha reta: estudar, aprender a desenhar, conseguir
trabalhos e continuar desenhando. O mercado, entretanto, é muito mais amplo. Um
profissional pode atuar como ilustrador, quadrinista, concept artist, diretor
de arte, designer de personagens, roteirista, editor, professor, diretor
criativo ou empreendedor. Em muitos casos, essas funções podem inclusive se
combinar.
Conhecer bem o desenho é uma base
extraordinariamente importante, mas compreender o processo criativo como um
todo amplia as possibilidades profissionais.
É por isso que gosto de
relacionar desenho e narrativa. Uma pessoa pode produzir uma ilustração
tecnicamente impressionante, mas, quando entende também personagem, conflito,
enquadramento, ritmo e intenção narrativa, passa a enxergar possibilidades que
não estavam disponíveis antes.
Jim Lee é uma referência
importante justamente porque sua carreira permite observar essas conexões. Seu
trabalho artístico é evidente, mas sua trajetória profissional também mostra o
que acontece quando um artista amplia sua compreensão sobre a própria indústria.
No ensino, essa ampliação é
igualmente necessária.
Quando um aluno chega ao IADC
dizendo que não sabe desenhar, muitas vezes ele está se referindo a uma
dificuldade muito específica: não consegue construir uma mão, não entende
perspectiva, não consegue representar um rosto ou não sabe como criar uma pose
convincente. A frase “não sei desenhar” acaba escondendo um conjunto de
problemas técnicos que podem ser identificados e trabalhados individualmente.
Essa é uma das razões pelas quais
acredito tanto na prática orientada. O aluno precisa desenhar, evidentemente,
mas precisa também compreender o que está tentando resolver em cada
exercício. Uma sessão de desenho pode trabalhar observação; outra pode
trabalhar proporção; outra, perspectiva; outra, construção anatômica. Aos
poucos, aquilo que parecia uma capacidade misteriosa começa a se transformar em
um conjunto de conhecimentos que podem ser praticados.
Não acredito muito na ideia de
que alguém simplesmente “nasce sabendo desenhar”. Existem pessoas que
desenvolvem determinadas facilidades mais rapidamente, evidentemente. Algumas
possuem uma percepção espacial muito boa; outras observam detalhes com enorme
precisão; outras têm facilidade para compreender formas. Mas facilidade inicial
não é a mesma coisa que formação.
O desenho, como qualquer
linguagem, pode ser estudado.
E talvez essa seja a melhor lição
que podemos retirar do aniversário de Jim Lee. Não precisamos olhar para um
grande artista apenas para dizer que ele é talentoso. Podemos olhar para sua
produção e perguntar o que existe ali para ser aprendido.
Podemos estudar a construção dos
personagens. Podemos analisar a composição das páginas. Podemos observar a
maneira como a perspectiva participa da narrativa. Podemos investigar como luz
e sombra ajudam a criar volume e atmosfera. Podemos comparar diferentes
trabalhos e perceber como as soluções visuais se modificam de acordo com o
projeto.
Depois, precisamos fechar a
referência e desenhar.
É nesse momento que a formação
realmente começa.
Porque, no final das contas,
nenhuma referência desenhará por nós. Nenhum artista que admiramos poderá
construir nosso repertório no nosso lugar. E nenhum estilo emprestado
conseguirá substituir aquilo que nasce quando acumulamos conhecimento, prática,
erros, descobertas e experiências suficientes para começar a tomar nossas
próprias decisões.
Talvez seja justamente essa a
maior homenagem que podemos fazer a um artista como Jim Lee: não tentar ser
Jim Lee, mas estudar o suficiente para descobrir quem podemos nos tornar como
artistas.
O aniversário de um grande
profissional pode ser uma data de celebração, mas também pode ser uma
oportunidade de aprendizagem. Para mim, é essa segunda possibilidade que torna
essas homenagens especialmente interessantes. Um artista importante não deveria
servir apenas para ser admirado; deveria também nos ensinar a olhar melhor para
aquilo que fazemos.
Se você está estudando desenho e
sente que ainda existe uma distância muito grande entre aquilo que imagina e
aquilo que consegue colocar no papel, talvez não esteja faltando talento.
Talvez esteja faltando método, orientação e prática suficiente para transformar
percepção em habilidade.
E essa é uma distância que pode
ser trabalhada.
Entre em contato agora peloWhatsApp
Nenhum comentário:
Postar um comentário