Planos de Enquadramento Para Histórias em Quadrinhos: A Arte de Contar Histórias com Imagens 📚✨

Vamos mergulhar no fascinante mundo dos Planos de Enquadramento para Histórias em Quadrinhos! Descubra como diferentes enquadramentos podem transformar sua narrativa visual e dar vida aos seus personagens e cenários.

O Que é um Plano de Enquadramento? 🔍

Um Plano de Enquadramento é a forma como uma cena é capturada e apresentada em uma história em quadrinhos. Ele determina o que será mostrado e a perspectiva do leitor, impactando diretamente a emoção e a dinâmica da narrativa. Desde um close-up dramático até uma visão panorâmica detalhada, a escolha do plano pode fazer toda a diferença na forma como a história é percebida.

A Importância do Enquadramento na Narrativa Visual 🎨

O enquadramento é crucial para guiar o olhar do leitor e enfatizar os elementos mais importantes de uma cena. Ele pode destacar a expressão de um personagem, a ação em uma batalha ou a vastidão de um cenário. A maneira como as imagens são enquadradas e compostas ajuda a construir a atmosfera e a emoção da história, tornando cada momento mais envolvente e memorável.

Alguns Tipos de Planos de Enquadramento 🔍✨

Existem vários tipos de planos de enquadramento, cada um com sua função específica:

- Plano Geral: Mostra o ambiente completo e a posição dos personagens nele. Ideal para estabelecer a cena.

- Plano Médio: Foca nos personagens da cintura para cima, destacando interações e diálogos.

- Close-up: Mostra o rosto de um personagem em detalhe, enfatizando emoções e reações.

- Plano de Detalhe: Foca em um objeto ou parte específica da cena, chamando atenção para elementos importantes.

Como Usar os Planos de Enquadramento ✏️

Para usar planos de enquadramento de forma eficaz:

1. Planeje sua cena: Determine a emoção e a ação que deseja transmitir.

2. Escolha o plano adequado: Use diferentes planos para guiar o olhar do leitor e enfatizar elementos importantes.

3. Experimente: Não tenha medo de misturar planos e criar composições únicas.

A Dinâmica dos Enquadramentos 📚

A mudança de planos de enquadramento dentro de uma sequência pode criar ritmo e tensão, levando o leitor a se sentir mais imerso na história. Por exemplo, alternar entre planos médios e close-ups durante uma conversa pode aumentar a intensidade do diálogo. Já uma transição de um plano geral para um close-up pode dar um grande impacto a uma revelação dramática.

Curiosidades sobre Planos de Enquadramento 🔍

- Origem no Cinema: Muitos dos conceitos de enquadramento em quadrinhos vêm do cinema, onde a câmera guia o olhar do espectador.

- Influência da Fotografia: Técnicas fotográficas também influenciam os enquadramentos, como o uso de ângulos e profundidade de campo.

- Narrativa Visual Sem Palavras: Alguns artistas usam enquadramentos para contar histórias inteiras sem diálogos, confiando apenas nas imagens para transmitir a narrativa.

Enquadramentos na Prática 🎨

O Instituto de Artes Darci Campioti oferece cursos de desenho e roteiro que ensinam essas técnicas em profundidade. Nossos profissionais experientes ajudam os alunos a dominar a arte do enquadramento, criando narrativas visuais poderosas e eficazes. Através de exercícios práticos e feedback personalizado, você aprenderá a usar planos de enquadramento para enriquecer suas histórias em quadrinhos.

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Vídeo

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WORKSHOP - Pensando: Roteiro / com Darci Campioti

Sobre Darci Campioti

Mestre em comunicação e cultura midiática, diretor e docente no Instituto de Artes Darci Campioti, docente na Universidade UNIP, com experiência em coordenação e docência dos cursos de Design Gráfico e Produção Audiovisual na Faculdade de Americana – FAM. Palestrante de arte e cultura, com mais de 30 anos no mercado. Colecionador e estudioso de História em Quadrinhos.

Ilustrador (livros, revistas, livros infantis e didáticos), Escultor (toy art e fiber glass) e roteirista; professor de desenho e artes nas áreas de: História em Quadrinhos (comics, mangá, realista), Roteiro, Desenho Artístico, Técnicas de Pintura, Aerografia, Caricatura, Anatomia, Desenho convencional e digital.

Sobre o Workshop

Dia 26 e 27 de agosto às 19:00 horas - via Zoom

O workshop tem como objetivo capacitar o participante a planejar, entender, elaborar e criar  um roteiro. Desenvolvimento de personagens e compreender as estruturas elementares da narrativa.

Mercado de Trabalho

O roteirista pode ser autônomo, trabalhar desenvolvendo e vendendo roteiros para empresas,  produtoras de filmes e vídeos ou contratado. Pode trabalhar para emissoras de televisão, cinema,  séries televisivas ou do sistema de streaming (devido à grande popularização deste tipo de plataforma).  Pode também trabalhar em redações de web séries, narrativas, quadrinhos, videogames e outros. Precisa estar presente em todo o desenvolvimento do projeto, guiando diretor e elenco.

Investimento R$ 85,00

• Para efetuar a inscrição, entre em contato no WhatsApp 19 9 8810-1401 e receba as instruções para pagamento.                                               

O Participante terá direito a :

• Certificado;

• Bônus 1 - Cartão desconto para 10 horas de Mentoria;

• Bônus 2 - Cartão desconto para cursos de desenhos;

• Bônus 3 - Cartão desconto para o próximo workshop; 

Vídeo chamada

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12 Princípios - Disney de Animação

Animação da Disney: A Ilusão da Vida (mais tarde republicada como A Ilusão da Vida: Animação da Disney ) é um livro de Frank Thomas e Ollie Johnston , dois dos principais animadores da Disney durante a Era de Ouro da animação.

No topo da lista dos "melhores livros de animação de todos os tempos" em uma pesquisa da AWN , ele ainda é usado como referência e fonte de inspiração para a animação de personagens.

O livro apresenta um histórico da animação da Disney e explica os processos envolvidos em termos claros e não técnicos.

A filosofia dos animadores da Disney é expressa nos chamados 12 princípios básicos da animação. Ele contém 489 chapas em cores e milhares de ilustrações em preto e branco, variando de esboços de storyboard a sequências de animação inteiras.

Observação: a ordem dos vídeos não é a mesma do texto. (fonte dos vídeos no final da postagem)

1º - Timing ("temporização")

Se refere a quão próximos os quadros estão em relação aos outros e a um maior ou menor número de desenhos intermediários entre uma parte e outra da ação, determinando assim se ela é mais lenta, moderada ou mais rápida.

2º - Slow-in and Slow-out (Aceleração e desaceleração)

Um objeto animado que se encontra em repouso aumenta gradativamente sua velocidade quando parte para o movimento isto é aceleração.

Este mesmo objeto diminui gradativamente sua velocidade quando parte para o repouso fazendo assim uma desaceleração.

Uma vez que o animador desenhava cuidadosamente seus extremos, pensando no tempo decorrente da ação como um todo, precisava indicar ao intervalador como seriam feitos os

intervalos

3º - Arcs (arcos)

Algo importante a considerar sobre os movimentos dos seres vivos é que, salvo raras exceções, os movimentos seguem uma trajetória circular.

A ação de uma mão com o dedo apontado segue a trajetória circular.

O animador marca as posições dos extremos e dos intervalos ao longo do arco.

4º -Anticipation (antecipação)

Muitas vezes, para executar uma ação, precisamos antes tomar um impulso.

Denunciando assim a ação que vamos executar, ou seja, dando uma ideia de antecipada do que faremos.

Quando as pessoas estão assistindo a um desenho, elas não entenderão o que está ocorrendo se não houver uma sequência de ações que levem claramente de uma atividade a outra.

5º - Exaggeration (exagero)

Muitas vezes, em animação, os personagens sofrem distorções que, se observadas individualmente, os desenhos parecem feios, tortos, mas no conjunto em movimento, a animação é fluida e suave e a distorção não é visualizada.

O exagero é essencial para que se consiga uma boa comunicação.

6º - Squash and Stretch (achatamento e alongamento)

É um dos princípios mais da importantes da animação.

A massa de um objeto animado se deforma alongando ou achatando, mas mantendo o mesmo volume.

O rosto de um personagem ganha mais vida quando as formas dos olhos, bochechas e lábios mudam de forma com a utilização do Squash & Stretch (comprime e estica).

7º - Secondary action (ação secundária)

As ações secundárias enriquecem e dão maior naturalidade a animação.

Normalmente as ações secundárias possuem seu próprio gráfico de timing.

Geralmente a ideia apresentada numa cena pode ser fortalecida por ações secundárias.

Essas ações secundárias são sempre subordinadas a ação principal.

Uma maneira de se conseguir uma ação secundária convincente é:

um planejamento inicial do que vai ser a cena;

animar por partes, primeiro a ação principal e depois as ações secundárias que podem ter timing diferentes.

8º - Follow through and Overlapping action (continuidade e sobreposição da ação)

Follow through (seguimento) é o movimento de seguimento de qualquer parte da personagem como consequências da ação principal.

Como sabemos, nem todas as partes da personagem começam o movimento ao mesmo tempo, havendo partes ou elementos dela que movem “arrastados” pela ação principal.

Overlapping action as partes ou elementos que pertencem às ações secundarias tendem a manter a sua trajetória devido a inércia e sobrepõem-se à ação principal quando efetua

mudanças de direção ou paragens.

Quando uma personagem entrava andando em cena e de repente parava completamente, a ação parecia dura e não era convincente.

9º - Straight Ahead action and pose-to-pose action (diretamente e quadro a quadro)

A animação direta é quando o desenhista cria as poses já na mesma ordem que serão exibidas, uma após a outra.

Neste caso a animação sai mais espontânea e a cena parece menos mecânica.

Desta forma o animador não planeja exatamente como vai ser o decorrer da cena e vai inventando à medida que progride.

Este método é geralmente usado em cenas de ação onde muitas vezes ocorrem movimentos rápidos e inesperados, embora é preciso cuidado para que o personagem não fique fora da perspectiva ou fora do cenário.

A animação quadro a quadro o desenhista preocupa-se em desenhar inicialmente as posições básicas que determinam a ação da personagem.

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10º - Staging (enquadramento / encenação)

Animação não apresenta restrições para a posição ou para o ângulo em que uma tomada é realizada.

É necessário atentar para a capacidade do espectador de entender ambiente mostrado.

Uma ação tem bom "staging" quando a expressão é bem vista, o movimento é claro e visível.

Quando você está fazendo o "staging" de uma ação deve ter cuidado para não usar um ângulo que atrapalhe o que você quer mostrar.

Uma boa forma de conseguir um bom “staging” é através do uso de silhueta.

11º - Appel (apelo)

É a capacidade do personagem em atingir o espectador e de se relacionar com ele.

Um design atraente sempre é fundamental em qualquer personagem.

Significa um design que as pessoas gostam de ver, um design com charme, simplicidade, comunicação e magnetismo.

Qualquer personagem deve ter um design atraente, seja o herói ou vilão, caso contrário ninguém vai querer assistir ao que ele está fazendo.

12º - Desenho volumétrico (Solid Drawing)

O desenho tem peso, profundidade e equilíbrio

Estes são os princípios básicos do desenho tridimensional fundamental em animação.

Procure evitar partes gêmeas no personagem, ou seja, cada olho, orelha, mão, dedo, colarinho, sapato etc. ficar idêntico à outra correspondente.

Os vídeos explicativos você encontra neste LINK